El Museo del Prado y la Fundación Iberdrola van a acometer el proceso de restauración y conservación de uno de los cuadros más importantes de la colección de la pinacoteca, el Pablo de Valladolid que pintó Diego Velázquez en torno a 1635, por lo que su espacio en la sala 15 estará vacío al menos los próximos meses . Este retrato forma parte de la colección que hizo el pintor sevillano sobre algunos de los habitantes de la corte de Felipe IV , especialmente los que tenían carácter burlesco o formaban parte del grueso grupo de bufones y personajes de segunda o tercera fila . Según los documentos, este Pablo fue un habitante de los pasillos y salones de la Corte entre 1632 y 1648, aunque su función no está del todo clara. Por el contexto, la postura en la que posa y su vestimenta, se le considera una suerte de actor o bufón que formaba parte del cuerpo de entretenimiento que tenían los Reyes y nobles. Por el estilo y trazo comparativo con otras obras, se estima que Velázquez pintó a este personaje entre 1632 y 1635, en la primera etapa del maestro sevillano al servicio del penúltimo monarca de la dinastía de los Habsburgo que reinó en España. Su relevancia en el momento no fue tan alta como cuando, dos siglos después, fue redescubierto por Francisco de Goya . El de Fuendetodos admitió haberlo tomado como inspiración para su retrato de Francisco Cabarrús , y años después despertó la admiración absoluta de uno de los grandes precursores del impresionismo. Y es que para Edouard Manet ver en directo el Pablo de Valladolid le cambió la vida. Fue en una visita al Prado en 1865 cuando decidió fijarse en esta obra de Velázquez para asumir cambios en su propio estilo de pintura . Se considera que incluso tuvo una epifanía artística, ya que habló de este cuadro como nunca antes se había señalado. «Es quizá el trozo de pintura más asombroso que se haya hecho jamás... El fondo desaparece; es aire lo que rodea al hombre, vestido todo de negro y lleno de vida», escribió Manet en una carta a su amigo y también pintor Henri Fantin-Latour . Tal fue el impacto que tuvo en Manet este retrato, y en general Velázquez —al que calificó como «pintor de pintores»— que le sirvió para cambiar por completo su estilo y darle la vuelta a las furibundas críticas que estaba recibiendo en París. Prueba de ello es su cuadro El pífano , que pintó en 1866. La ausencia de fondo en la obra de Velázquez, quien situó al personaje en un espacio indeterminado, sin línea de horizonte, sin muebles y sin una habitación definida y con solo las sombras a los pies del personaje sugieren el suelo derivaron en lo que luego fue una de las primeras puertas al concepto menos pegado a la realidad que luego fueron las artes modernas. Antes de que comience la restauración del retrato, el Museo del Prado activará una fase previa de análisis técnicos destinada a profundizar en el conocimiento material y estructural de la obra. Estos estudios permitirán ir más allá de la información disponible hasta ahora y ofrecer una lectura más precisa tanto del proceso creativo como de su estado de conservación. La incorporación reciente de nuevos equipos de investigación marca un salto cualitativo en este trabajo. El estudio se abordará desde dos enfoques complementarios. Por un lado, el análisis material mediante XRF scanning , una técnica no invasiva que identifica los elementos químicos presentes en la superficie pictórica. Al estimular la pintura con rayos X y analizar la radiación emitida, se obtiene un mapa detallado de los materiales empleados por el artista, clave para entender su técnica y sus decisiones. Por otro, la reflectografía infrarroja multiespectral permitirá examinar la obra a distintas longitudes de onda, desde el espectro visible hasta el infrarrojo. Este método revela información oculta bajo las capas superficiales y saca a la luz detalles invisibles al ojo humano. La documentación resultante será esencial para comprender en profundidad la obra y establecer las bases de una restauración ajustada a su realidad material y artística.
