Повторяй и властвуй. Как белгородский фотограф ищет и находит в фотоискусстве собственный стиль

«Люди в городе. Люди в Белгороде» — это серия интервью с жителями Белгорода и Белгородской области, которые проявляют себя в искусстве, науке, образовании, бизнесе, управлении и других сферах. Цель — показать, как человек живёт свои делом, которое приносит ему доход и даёт возможность самореализации, и при этом получает удовольствие от процесса достижения целей и их результата.

О Тимофее Колесникове я узнала через его деятельность в театре «Спичка», о постановках которого я пишу рецензии (их можно прочесть здесь и здесь — прим. Ф.). Тимофей сделал серию фотографий актёров и художественного руководителя коллектива Оксаны Половинкиной. Его стиль классического портрета мне показался выразительным, утончённым и смысловым. По этой причине для пилота своего проекта я решила взять первое интервью именно у этого человека. В своё время Колесников выставлял работы в фотогалерее имени Собровина, был победителем областного конкурса в категории «Жанровый портрет».

Тимофей Колесников, фото из личного архива

— Тимофей, вы профессиональный фотограф, у вас есть своя страница «Вконтакте», где Вы размещаете результаты творческого процесса с моделями или заказчиками. Вопрос от меня как зрителя, вступающего в диалог с фото: что такое фотография? По вашему мнению, это больше ремесло или искусство?

— Это и сложный, и тонкий вопрос одновременно. С точки зрения фотографа фотографию можно расценивать под разными углами. Допустим, как картину — [оценивая] то, что фотограф хотел рассказать зрителю, назовём это смыслообразующим фактором фотографии. Есть фактор технический: как свет пишет изображение. При этом сам фотограф, безусловно, влияет на расположение кадра, смотрит на расположение модели. Кадр и модель вырисовывают задумку будущего снимка — художественное фото или техническое исполнение...

Фотограф исходя из своего жизненного опыта, из уже накопленных и проработанных знаний, решает на стадии создания фотографии, что и как будет изображено на снимке. К примеру, фотограф-портретист выбирает модель, которая, в свою очередь, должна подходить под определённые критерии возраста, внешности и прочих нюансов. Тем самым задача у фотографа непростая — сделать из фотографии картину, используя даже некоторые фишки, допустим «свет картин Рембрандта». В таком случае фотография становится искусством, а не ремеслом.

Повторюсь, для меня фотография — это одновременно обширное и ёмкое понятие, о котором невозможно рассказать в двух словах. Для одного фотографа и зрителя фотография будет одним вместилищем смыслов, для другого — иным. Сложно разделить однозначно фотографию на искусство или ремесло. Это однозначно синтез.

— Тимофей, мой следующий вопрос вытекает из вашего ответа на предыдущий. Подскажите, образ нашего мышления зависит от того, сможем ли мы стать настоящими фотографами? То есть не исполнителями, повторяющими технику, а творящими свою Вселенную настоящими авторами?

— В основе конечного продукта, фотографии, которая должна понравиться зрителю, безусловно заложено то, как мыслит творец-фотограф. Изначально, как я уже говорил, основа фотографии — это весь опыт и знания фотографа, но может быть такое, что, создавая определённый стиль фотографии, в процессе этого создания что-то может поменяться...

Но на первых этапах фотограф обязан повторять технику кого-то. Это необходимое условие, потому что он ещё не выработал свой стиль. В повторении нет ничего плохого. Оно учит нас искать свой стиль. И здесь есть одна тонкость: можно почти идеально скопировать, но при этом не получить точную копию, потому что ты используешь иную технику и иное видение. В итоге получается твоё собственное произведение, со своими отличиями. Далее от фотографии к фотографии у начинающего фотографа будет вырабатываться свой собственный стиль. Он будет зависеть от мышления фотографа и его насмотренности. Так из технического исполнителя, кем является поначалу каждый фотограф, может появиться именно автор с собственным стилем.

— Давайте попробуем посмотреть на существующие жанры фотографии с позиции вас как профессионала и зрителя. Что вам ближе как профессионалу, а что как зрителю?

— Я подхожу к любому жанру критически. Но если постараться посмотреть на определённые жанры, забыв, что я сам фотографирую, то, скорее всего, на первом месте у меня будет стрит-фотография (стиль улицы — прим. Ф.), на втором — портрет.

Портрет мне нравился всегда. Для меня изображение человека — это столп, основа, и даже в стрит-фотографии я предпочитаю, чтобы в кадре был человек, потому что этот фактор делает фотографию более живой. Без человека стрит-фото ближе к пейзажу по характеру изображения.

После этих двух жанров, стоящих на первых двух местах, у меня идут оставшиеся жанры. Главный критерий для меня как зрителя — это то, с каким вкусом и интересом сделана фотография, а жанры всё-таки уходят на второй план.

— Очень интересно, спасибо. А что вы можете сказать о насмотренности глаза, то есть о визуальном опыте? Ведь, чем больше прекрасного мы созерцаем, тем тоньше наше восприятие прекрасного, тем больше нюансов мы способны различить.

— Конечно, насмотренность глаза — важнейший критерий при формировании профессиональной личности фотографа. Без неё любитель не станет профессионалом. Именно визуальный опыт и даёт чувство баланса, тонкую линию развития, когда фотограф дошёл до определённого уровня и понимает, что хоть он и всё умеет, но чего-то не хватает. В этот момент на помощь приходит память визуального опыта. Нюансы, собранные в течение нескольких лет, объединяются в один опыт, и получается именно то, что соответствует заложенному образу будущей работы в голове.

Поэтому приятно и полезно смотреть на работы мастеров и замечать нюансы, которые помогут в становлении себя как личности фотографа.

— Давайте поговорим про интимность восприятия. Вы можете вспомнить, когда ваше восприятие сказало мышлению стоп, и вы увидели свой первый кадр? Это может быть не только интуитивное мгновение, но, к примеру, ситуация, когда среди серии снимков вы поняли, что вот он, мой первый настоящий кадр.

— Это был кадр в самом начале моего обучения искусству фотографии. Мы с одногруппниками выезжали на место съёмки, фотографировали, пробовали свои силы. Каждый фотографировал в своём стиле. Но у меня получилось интересно: мы все проходили под мостом, но никто не приметил симметричный кадр, где явно прослеживается несколько диагоналей. Я уловил это и сделал снимок. Мой кадр оказался похож на правильный шестигранник.

Причём я сделал этот кадр больше интуитивно, не следуя определённым правилам и технике. Я поразился результату и понял, что это действительно мой первый профессиональный кадр! Тогда я прочувствовал по-настоящему, что такое важность композиции и момента.

— Тимофей, один из ваших самых часто используемых фотожанров — классический портрет. Расскажите о нём.

— Жанр классического портрета в фотографии — это в какой-то степени воспроизведение картин. Конечно, классический портрет в фотографии может расширить смыслы изображаемого, и на двух кадрах мы можем увидеть совершенно два разных образа одного и того же человека. Я имею в виду нюансировку выражений в лице: разное настроение, отражение какого-то субъективного смысла в глазах и прочее. В жанре портрета мне нравится какое-то внутреннее состояние кадра, что мне приятно и как зрителю в том числе.

— Повлияла ли на вас академическая портретная живопись? Принципы, приёмы портретной живописи именно академиков, как примеров для подражания, вы переносили на свои работы?

— Тонко и умело, конечно, можно переносить какие-то принципы из академической живописи в портрет в фотографии. Можно обратиться к великому живописцу голландской школы, мастеру светотени, Рембрандту. То, как этот мастер использовал свет в своей технике живописи, можно повторить и в фотографии. Хотя, скажу честно, это сложно именно с технической стороны исполнения.

В большинстве академических картин, мы помним, изображали женщин. И из жанра обнаженной натуры на картине вышел жанр «ню» в фотографии, это тоже стоит помнить.

Если фотограф работает в «ню», очень важно не перейти определённую границу трактовки обнажённого тела в фотографии, не наполнить вульгарной составляющей, а тонко передать обнажённую натуру, как это старались делать живописцы. Для фотографа сделать это сложно, потому что картина создаётся гораздо больше времени, нежели фотография. В фотографии малейшее изменение света, выражения лица, даже глаз могут значительно изменить результат. В живописи, конечно, это поддаётся корректировке.

— В литературе есть понимание расширение границ текста. Часто используется интертекст — цитирование из других произведений, когда цитата подстраивается под основной корпус текста произведения и служит дополнением и расширением смыслов. Есть ли цитирование в фото?

— Да, я считаю, что к фотографии применима литературная концепция интертекста. [Объясню на примере]. Есть отличный фотограф в жанре «ню» Давид Дубницкий, у которого в работах присутствует тонкое соединение жанров портрета и эротики. Пробуя повторить его снимки, нельзя сказать, что это будет чистой воды копирование. Нет. Как раз-таки это будет цитирование, когда всё равно своя личная трактовка будет присутствовать в фотографии.

— Я до сих пор не задала вам базовый вопрос об образовании. Самое время это сделать: как и где вы учились? Что поняли без учёбы?

— Я инженер по первому образованию, по второму — экономист. В 2018 году обучился искусству фотографии на курсах при Белгородской галереи фотоискусства имени Собровина...

Анализируя свой профессиональный путь, до сих пор я признаюсь сам себе, что любитель. Не могу считать себя профессионалом в полном смысле слова. Я всё ещё учусь и нахожусь на этапе развития.

— Технический вопрос с секретами. Я знаю, что качество изображения зависит от баланса света и тени. Мне как обывателю можете пояснить эту философию в тезисе?

— Свет сам по себе — это ипостась художника. Свет физически создаёт фотографию. Балансом может быть абсолютно в противоположных фотографиях, эта такая неуловимая формула. Можно посмотреть на фото, которое абсолютно тёмное, и увидеть там отблески света, и это будет баланс на представленной тёмной фотографии. И абсолютно светлая, даже белая фотография с небольшими вкраплениями тёмного тоже будет балансом света и тени. Первая тёмная фотография будет сделана в низком ключе, а вторая светлая — в высоком ключе. И оба этих снимка имеют место в диалоге баланса света и тени и не противоречат этому видению кадра.

Могу сказать именно по секрету, что как такового баланса света и тени не существует в природе как априорной категории — его выбирает фотограф на основании условий, задумки, мыслей... Делая множественные кадры, не думайте, что это лишнее. Это отлично и хорошо, что вы тренируетесь, ведь с каждым нажатием кнопки вы становитесь опытнее, приближаете свою личность к статусу профессионала в фотографии.